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全世界音乐类型的电影，出产的数量一直位于很尴尬的位置。从早期西方常有，较像是纪录片形式的记人电影，到近期歌舞片、乐团及运用舞台剧形式的音乐电影，也时常在相对应的奖项上有不错的佳绩。
而日本也在近代，于这类型的电影上稍有着墨，却总是在其独特的东瀛式摇滚上打转，或许是为了演员及票房等商业考量，才会选择属于较为现代摩登的音乐形式，或是将其音乐发展成功转向于其它国产片的配乐里头。
他们各有各的音乐立场，旁人无权置喙，但值得相信的，无论东西方的导演，在处理这类音乐电影时，必然是有其用心与热爱音乐之处。
《寻找心乐章》则是日本近期以来，少有以交响乐团为其音乐类型的电影。上一部有类似类型的则是《交响情人梦》电影版。但以《交响情人梦》与《寻找心乐章》做比较，后者的音乐与角色之间的成长，直至升华成团队成长，这份感动，我认为是重于《交响情人梦》的。
在《寻找心乐章》当中，一群已解散的乐团接到通知，要再度重组，进行售票展演。他们的指挥竟然是看起来就像流浪汉的天道（西田敏行饰演），手中的指挥棒，竟然也是作工用的材料，更找了仅是业余的橘天音（Miwa饰演）担任第一长笛手。这份不确定与怀疑，开始在以男主角香坂（松坂桃李饰演）为首的交响乐团之间蔓延开来。
在练习的过程中，香坂发现天道和同样是小提琴手的父亲的死有关，加上其它人对天道古怪的指挥风格与其来历感到质疑，便再度解散了乐团，各自回归各自的人生。
只是香坂一直感到困惑、不解，他这辈子从未奏出和父亲一样的音色，那只存在于他回忆父亲的梦中。直到橘天音带他去找天道，在医院里碰见了卧病在床的天道之妻。意识朦胧间，天道的妻子竟错认香坂为其父亲，呓语要他为自己再奏一曲。
香坂取出小提琴，缓缓演奏。他突然想起孩提时代，也是在医院里，母亲坐在靠窗的位置，天道站在一旁，而天道的妻子也在那里，父亲则是坐在床上演奏小提琴。所有人静静聆听。
回忆涌现，香坂流下眼泪。此时他发现，因为这样的回忆与爱，让他拉出了最靠近父亲的那种音色。
香坂离开前，遇见了天道。天道仅淡淡地说，人总会死的。
生活是一种淬炼音乐的过程，而音乐是证明曾经活过的一段历程，即使日后听见，或是回想，都觉得心底哀伤，认为这样好残酷，但唯有走过去了，坦然了，音乐将会治愈每一个曾经痛不欲生的创口。
天道依然在练习处指挥，即使无人前来，即使大提琴手回来只是拿取失物，即使大提琴手坐下随他演奏，即使三三两两回来，即使最后都回来了，只剩香坂。
即使，最后，香坂回来了。即使他们还是不懂为何要再聚一起，只为了做一场最盛大的练习。
演出当天，座无虚席，天道带领团员们演奏贝多芬《命运》。甚而激动的他带领团员们完成表演，获得无数掌声。
隔天，再度准备表演时，偌大的表演厅却空无一人。
天道推著坐于轮椅上，已然恍惚的妻子前来。
他说，请大家为了她演奏最后一次的安魂曲──舒伯特《未完成》。
在其中一段小提琴跨越八度的独奏时，香坂终于明白，何谓天道所说：这是一段通往天国的旋律，轻如三根弓毛，重如杀人。
然后，重拍，停顿，最后一个小节，结束。
当所有人结束演奏，整个演艺厅空荡荡的毫无声响，但这样的寂静，仿佛连宇宙都可与之共鸣。
香坂终于明白了父亲遗留下的手抄谱，《未完成》最后的空白那里写下的两个字：
“天籁”。
《寻找心乐章》是一个集体治愈及成长的故事，用交响乐团之间的乐器作为人们沟通、磨合的工具。有好几处，因为他们拉出的旋律落下了泪，也明白何谓是剧里所说的天籁。
高中那年出国表演，站在千人的表演厅内结束最后一段，指挥老师下最后一拍，口号式的呼喊带领情绪抵达最高峰。然后，结束。我记得我看着指挥，又看向身边的团员，再看台下观众，有那么一瞬间，空气里一点声响都没有。
直到事隔多年，看了这部电影，才突然想起原来我也曾经拥有过这样的天籁。
不只是自身经验的出发，让我发自内心喜爱这部电影，更是为电影里的角色用心感到钦佩。台湾不少影剧作品，在处理类似演奏题材时，往往都会忽略演员演奏时的情绪与最后呈现给观众的音乐呈现，以致于看起来有所落差，手指、身体律动与旋律对不上拍子。
但《寻找心乐章》成功的一点，即是那些停滞与情绪绵延，都跟着角色进行着。音符里的谬误、旋律中的故事，我们都能在他们细微的指尖颤动及眼神中读到。这也是为何当橘天音独奏长笛，她想起那年地震而家破人亡，旋律之哀凄也让大银幕前的我落下泪来。
比文字更浅显的是影像，而比影像更直观的就是音乐。旋律骗不了人，感动就是感动，不会藏有任何欺骗受众的细节。
《寻找心乐章》不只是音乐方面的用心，而是拍摄上的细节与感动让人回味再三，让人不禁回想起那年曾走过的音乐之路，不只有合唱、管弦乐，甚至是乐团或是无伴奏人声团，那些感动是相同的，当你在舞台上真心地参与了，结束的瞬间，整个宇宙都在安静聆听。