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作者: OPPAISuki (OPPAISuki) 看板: Golden-Award
标题: [心得] 为什么华语流行音乐和世界脱节？
时间: Fri May 18 23:26:23 2018
在伦敦的台湾音乐制作人：为什么华语流行音乐和世界脱节？
为什么好像没人在乎这件事？
2018/05/14杨威宇／读者投书
我是杨威宇 JASS YANG ，在伦敦的台湾人，我的职业是音乐制作人。
不知不觉在伦敦，也快满 2 年了。在来到这里之前，我在亚洲的音乐产业一共工作了
8 年，其中 2 年在北京——或许称不上“知名”，但应该也还算“资深”。来到欧洲
的艺文重镇伦敦，不外乎是想亲自看看在讲中文以外的世界，大家是怎么做音乐的。
而这一年多的时间，让我重新认识了所谓的音乐产业。我不是大师、也不是王牌制作人，
但是这段时间除了我自己之外，还没有找到其他和我一样在欧洲现代音乐产业奋斗的台湾
人。
如果你对于音乐产业有兴趣，欢迎你继续看下去：
“洗掉所有履历”，才是真正检视自我的开始
来到伦敦之后，除了开始研究音乐制作案的接案来源，然后开始适应全英语的录音室环境
、适应欧洲音乐制作案的进行方式、适应和其他乐手沟通的方式另外还得适应伦敦这莫
名其妙的怪天气。
最让我挫折的是，原本在台湾一直让我引以为傲的作品履历，在这里一点用都没有：这里
的人没有一个听说过我合作过的艺人、没听说过我制作过配乐的电视剧、更没听说过和我
工作过的录音室和制作人。
对他们来说，我跟一个刚毕业的学生没两样。
但对于一个艺术工作者来说，“洗白了履历”之后，也是重新自我检视艺术价值的开始：
为什么在欧洲的音乐重镇伦敦，鲜少、甚至没有人听过华语歌手？刚开始我认为那是纯粹
的语言隔阂，华语流行音乐几十年来都着重在“演唱者”和“歌词”，“主唱英雄”的既
定印象，也伴随着华流几十年来的发展——华语音乐的听众，大部分早已习惯把所有的听
觉都关注在（华语的）演唱者身上。
不过后来我换了角度想，如果真的把中文歌都换成英文歌词，英语听众真的就会喜欢吗？
日本有 X Japan 、 OOR 、 Steve Aoki...等风靡国际的团体和超级ＤＪ、
制作人，韩国近年也有数不完的发光韩星，印度则有 KSHMR 等等当然远远不只这些。
但是你可曾有听说过“风靡英语世界的华人音乐人”？你可曾在世界级的音乐祭，看到过
来自“两岸三地”的艺人？——如果你说：“五月天、周杰伦都有办过‘国际演唱会’啊
！”那我想你可能没有真正参加过他们的海外巡回。
而同时间，所谓“华人”明明是全世界上最大的种族，中文更是世界上最多人的母语。那
到底为什么，我们会与世界其他地方的音乐产业，显得如此脱节？又是为什么，好像从来
没有人在乎过这件事？
经过了好几个和这里的音乐人把酒言欢、摇摇欲坠的夜晚，又啃了几本大家推荐的音乐产
业圣经，我想我理出了一些脉络：
“当音乐人让唱片公司决定作品的样子，艺术价值就到此为止了”
长期以来在台湾，如果一个音乐人想要经营自己的作品，用自己的作品累积听众，那么势
必得要透过唱片公司取得必要的资源——例如数位平台上架、实体发行、电台宣传、校园
活动等等。
但几乎所有“让作品触及听众”的方式，都由唱片公司把持，毕竟不像现在流行的网络短
片，音乐作品相对不容易创造噱头和话题，在网络上快速吸引目光——尤其当你只是一个
初试啼声的音乐人。但当你需要唱片公司的资源时，别人要不要给你资源、给你多少资源
，那就得看别人脸色了。
当音乐人让唱片公司决定作品的样子，那么艺术价值通常也就到此为止了——接下来的就
是“流行产业”，而不是“艺术产业”了。
但是很可惜的，我们把“流行产业”与“音乐产业”混为一谈，已经很多年了——你可知
道每一首大家“唾弃”的“芭乐唱跳华语流行歌”，背后其实都有无数天才大师贡献了自
己的艺术能力，但最后却是创造了一部艺术价值趋近于零，唱片公司认为会“红”的作品
。
艺术产业和流行产业的本质是冲突的：艺术产业追求的是心理价值，而流行产业追求的是
普世流传。艺术产业细水长流，而流行产业是一下午的大雨滂沱。
若“只讲中文”，很难进入“全世界的音乐通路”
另外，如今欧美的音乐人都知道，你我可以很容易的在家里、在电脑网络上就搞定所有的
发行——只要按几个按钮，就有服务能够帮你“放上全世界的音乐通路”，甚至是南美洲
和阿拉伯世界的音乐串流平台。但在台湾的话对不起，如果你无法使用全英语的网络平台
，仍旧需要唱片公司替你搞定——因为台湾目前还没有这样的服务。
目前甚至还有各种平台，帮助你媒合制作音乐作品时需要的合作对象：不论是混音、母带
后制，甚至是 LOGO 设计、动态影像..等等。另外还有各种各样的社群媒体工具和教学，
告诉你怎么建置一套适合你自己的系统，让你可以找到那些可能会喜欢你的听众，并且加
深他们和你之间的认同感和亲近感。
只要你够有决心、够有才华，不需要唱片公司，总有一天你也能够累积到足够数量的群众
，支撑你一生的艺术创作——不论是心理层面还是现实生活所需要的收入。我已经亲眼见
证了许多从无到有的音乐人，靠着自己的作品和少少的支持者，持续支撑著自己的艺术创
作。
但是很抱歉，许多这类线上服务，当你把语言切换成中文，就会告诉你“需要人工审核”
或是“目前未开放”。进而也导致这些十分方便的工具，几乎从来不曾被“只讲中文”的
音乐人注意过。
做音乐是创业——你要“进军世界”吗？
这就是最大的不同了：欧美流行音乐的“天王天后”，其实有很多是以独立艺人的模式开
始，在长时间累积了一定的群众基础后，才踏入唱片公司的流行产业炼，从Live House
的规模，提升到体育馆的规模，这点也让唱片公司和音乐人之间的协商筹码平衡许多。
台湾近年也是如此，许多在地下社会、河岸留言或 The Wall 等 Live House “出道”的
音乐人和团体，同样可能因为累积了一定的人气后，透过唱片公司发片
但重点是，由于不论是音乐人或唱片公司，对于“音乐”本身的市场想像，往往就只有台
湾本地市场、或者对岸的中国市场而已——自然不会寻求接触不同语言、文化脉络市场的
，艺术创作的更多可能性。也自然不会去想要如何有效地利用这个时代早已有的、垂手可
得的“国际化”工具：
如 CDBABY、MANYCHAT、DISTROKID、Music Gateway...等族繁不及备载的这些工具和平台
，在我来到伦敦的音乐产业之前，连听都没听说过。
西方世界拥有一套不需要靠唱片公司，就能让音乐人靠自己的作品生存下去的方式，但台
湾真的能靠自己作品活下去的创作者，除了少数的凤毛麟角外总共有几人？
“在台湾做音乐是就业，在伦敦做音乐是创业”，而我想说的是，台湾的艺术产业，需要
大家更勇于“创业”，并且尝试把触角延伸得更广、更远。
“国际化”或“中国化”，请选一个
另一个更大的问题，在我们的唱片公司对“产业”和“市场”的想像——所以我说，华语
音乐产业和世界脱节的原因，是其“目的”。
西洋流行音乐可说是建立在艺术产业上，将艺术产业的规模提升；反观台湾唱片公司则是
从一开始就在打造流行音乐。这没有不对，因为韩国人也是如此，但是很可惜台湾的流行
产业规模，如今只是一场午后雷阵雨，但人家的是“洪荒之力”，举全国之力集中在一两
家公司，拼命想向海外开拓市场。
反观台湾流行音乐产业之所以和世界脱节，是因为高手都去当齿轮了，每一位。而台湾却
不拥有像欧美中日韩的庞大市场或野心——有的话也仅限于“对岸”。但对岸同样也在加
速扶持自己的流行音乐产业，台湾流行音乐人在对岸市场的发展空间，相对来说只会越来
越少。
而当作品“以流行为目的”却“流行不起来”，对不起恕我直言，那就是名副其实的垃圾
，只是一群高手一起做出来的垃圾。
艺术价值，才真正让台湾有国际化的可能——因为我们没有排山倒海的资源，打造像韩国
那样的流行帝国，而如果台湾的艺术产业不国际化，就只有目前的“中国化”一途了。
中国现在绝对拥有创造（相对封闭的）“华语流行帝国”的资源和本事，但是音乐人们是
要创造自己的艺术价值、累积自己的群众，而且走出市场和语言的侷限，真正面向国际；
还是加入“两岸三地的流行机器”成为一个齿轮，在严格的审查中，创作一些自己也不知
道喜不喜欢的作品，那就是自己的决定了。
不只是音乐，电影、舞蹈、戏剧都一样，国际化或中国化，选一个。
我相信，当台湾的每个艺术工作者都清楚知道，该如何累积自己群众、如何面向国际的时
候，台湾的艺术能量将会无可限量，而且是什么人都偷不走的。
执行编辑：庄宜庭
核稿编辑：张翔一
Photo Credit：杨威宇 提供
杨威宇，旅居伦敦台湾音乐人。 15 岁成立 FUN4 乐团， 17 岁签约滚石唱片成为词曲作
者，19 岁登台北小巨蛋滚石三十演唱会， 21 岁登台北跨年演唱会并累计亚洲演出一百
场， 23 岁制作中国电视剧《新闺蜜时代》、《月供》等全剧配乐， 25 岁串连台湾传统
艺术工作者发表《妙台湾》系列作品， 26 岁受邀英国BBC电台专访， 27 岁入围美国第
十六届独立音乐奖。
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